Marilia Monzón estrena su primer disco, Prenderé una velita (Esmerarte, 2023)

El álbum está ya disponible en plataformas digitales

Marilia Monzón presenta un álbum de debut formado por 10 canciones que beben del pop y del folk tanto de su tierra natal, Canarias, como de la península y de buena parte de latinoamérica. Producido por Juanma Latorre (compositor, guitarrista y teclista de Vetusta Morla) entre Gárate Studios (Andoáin), Estudio Uno (Colmenar Viejo) y Estudio Silencio (Madrid), el disco ha sido masterizado en México por el ganador de un Latin Grammy, Nacho Sotelo (Carla Morrison, Mon Laferte). 

Marilia desprende dulzura a través de una voz única acompañada de unos músicos excepcionales: Adrián Seijas (Xoel López), Pablo Seijas (Neno) y el propio Juanma Latorre. Con ellos, esta joven cantautora ha firmado diez temas cautivadores que sorprenderán por lo ecléctico de su propuesta y su amplitud de miras.

PRENDERÉ UNA VELITA

· CANCIÓN POR CANCIÓN ·

Sobre Prenderé una velita

Prenderé Una Velita es un canto a la esperanza, a la cura, al olvido y al amor. Es el recuerdo eterno de las mujeres que pasan por nuestra vida, aquellas que siempre vemos prendiendo velas en sinónimo de atraer las cosas buenas. Prender en toda su expresión es símbolo de comienzo, destino e ilusión. Es el abrazo, el refugio y el calor.

Su melodía nos lleva a lugares de calma pero a su vez a la fuerza y a la inquietud de algo que permanece vivo. Marca el final de todo lo que hay que dejar atrás. Es raíz, tierra y hogar. Es respeto, armonía y libertad. Y por supuesto, el cariño y el amor hacia uno mismo.

Sobre Las niñas

A las niñas es una de las canciones del disco que está protagonizada por sus amigas de toda la vida. Su infancia, su adolescencia y las diferentes etapas que pasan las mujeres a lo largo del tiempo con todo lo que eso conlleva, cambios físicos, mentales y vitales. Transmite como a pesar de los distintos caminos que todas ellas toman y la distancia que cada vez les separa más, son capaces de cuidar y mantener esa unión, ese vínculo que se va fortaleciendo con el paso de los días, meses y años. 

Le transporta a lugares de sororidad, enorgulleciéndose como mujer de tener un grupo de amigas con las que puede contar siempre, caminar y luchar de la mano como feminista.

Sobre Semilla

“Semilla es mi raíz, mi tierra, mi casa, mi familia.” comenta la artista. Se siente muy afortunada de los valores inculcados y adquiridos por su entorno y sus seres queridos ya que por ellos es la persona que es hoy en día. Mantener los pies en la tierra es su filosofía de vida, porque de una forma u otra le hace conectar con lo más profundo de su raíz y nunca olvidarse de dónde viene.

Sobre Pequeñito

Delicadeza y cuidado hecha canción. Una nana para la niña que siempre llevará dentro, aunque la canción está escrita para el miembro más pequeño de su familia.

Sobre Tranquilo, mi corazón

Esta canción está inspirada en la inmigración. “Canarias es lugar de paso y de acogida” comenta la artista, la cual hace unos años tuvo la vivencia cercana de inmigrantes que llegaban a la isla. Este suceso de una forma u otra le cambió.

Por eso quiso componer esta obra, para aludir a la esperanza. Es una forma de abrazar a todo aquel que ha dejado su lugar, su familia, su gente… es el refugio, el cuidado y sobre todo la defensa de sus derechos, sus derechos como seres humanos.

Sobre Selva

No hay nada más puro que la naturaleza, la vegetación, la flora y la fauna. El contacto con la tierra, los animales y tus raíces. Perderte para encontrarte. Eso es selva, un viaje hacia lo más salvaje y profundo de la vida. 

Sobre Brindando por ti

Esta canción es una despedida. Alude al desamor. Una forma de decir adiós a una experiencia no tan buena, porque hay finales bonitos pero otros necesarios. De todo se aprende. Y no hay mejor manera que despedirse brindando con una buena copa de vino.

Sobre Lo que guardo

Es un pequeño recordatorio para nunca olvidar lo que la artista lleva dentro. Lejos del ruido y de las prisas, busca la tranquilidad y la calma en su ser. Abraza lo que quiere que permanezca y libera todo aquello que debe soltar.

Sobre Quiéreme libre

En estos tiempos que corren la artista busca la libertad en el querer. Esta canción nace de ahí, para ella no hay nada más honesto y sincero que el amor libre.

Sobre Bailo conmigo misma

Esta canción es la última composición del disco. Comparte una especie de mantra: hay que llorar, hay que soltar, hay que bailar. Tener presente que tú eres la única persona que te va acompañar toda la vida. Es el autocuidado y el respeto hacia una misma.

Desde Casa PortAmérica y Esmerarte presentamos «Notas con», la sección donde podrás conocer más a nuestros artistas, en esta ocasión, toca a Pablo Lesuit

Pablo Lesuit es un músico multi-instrumentista, cantante y compositor gallego que destaca en la nueva escena de la canción iberoamericana por su estilo personal e independiente. La música de Pablo no entiende de fronteras o etiquetas. Libre, viaja por intensos paisajes en los que la poesía de sus letras se combina con grandes dosis de percusión, guitarras y sampleos.

¿Qué tres palabras definen a Pablo Lesuit?

Música, Viaje y Emoción

Cuéntanos más sobre tu último single junto a los mexicanos Jenny and The Mexicats, Quién Me Salva:

Creo que responde a la consolidación de una amistad y de una gran afinidad musical. Nos conocimos hace años en CDMX y poco a poco y de manera muy natural comenzamos a compartir experiencias musicales. “Quién Me Salva” es el resultado de todo ese proceso y pienso que mantiene las personalidades artísticas de ambos proyectos.

¿Cómo ves la música hoy en día?

Creo que estamos en un gran momento, los avances tecnológicos están permitiendo crear música de una manera cada vez más democrática, ya que hacer canciones está al alcance de casi todo el mundo. Estamos asistiendo a un cambio de paradigma muy profundo, y veo una escena muy rica y diversa.

¿Cuáles son algunos de tus artistas o canciones favoritas de Latinoamérica que te han inspirado? 

Mi lista sería muy muy larga. Hay tantos artistas que me han inspirado tanto…Voy a decir alguno de los que más me han conectado en los últimos tiempos: Gabriel Ríos, Juan Wauters o Louta. 

¿Qué sonidos te atraen más de la música latinoamericana y qué elementos incorporas o te gustaría incorporar en tus composiciones? 

Desde 2018 llevo viajando de manera continuada por Latinoamérica, pero antes venía estudiando y escuchando mucha música del continente. Hay muchos instrumentos pero sobre todo melodías y patrones que han ido influyendo mi repertorio, colándose después de pasar mi filtro personal. Algunos de ellos: el charango, la jarana, bombo legúero, guiro, caja chayera…

¿Hay algún país que te atraiga especialmente y que te gustaría explorar a nivel personal y musical?

Me gustaría conocer en profundidad la costa mexicana, colombiana y Cuba.

¿Hay algún artista, compositor o músico latinoamericano con el que te gustaría colaborar? 

Tengo la suerte de haber colaborado con algunos de los que más admiro. Me encantaría colaborar con Devendra Banhart, Rodrigo Amarante o Camilo Lara

¿Y de Casa PortAmérica México?

Con todos ellos!

¿Platillo mexicano favorito?

Unos tacos ricos de cochinita pibil.

¿Tequila o mezcal? 

Siempre Mezcal

JUANMA LATORRE Y ROCÍO MÁRQUEZ PUBLICAN  LA LENGUA EN PEDAZOS, CANCIÓN ORIGINAL DE LA PELÍCULA TERESA, DE PAULA ORTIZ

EL COMPOSITOR Y MÚSICO DE VETUSTA MORLA FIRMA LA BANDA SONORA ÍNTEGRA DE LA ÚLTIMA PELÍCULA DE LA DIRECTORA, QUE SE ESTRENARÁ  EN ESPAÑA EL PRÓXIMO 24 DE NOVIEMBRE.

 La Lengua en Pedazos es la primera colaboración musical entre Juanma Latorre y Rocío Márquez. Se trata de la canción original de la película Teresa, de Paula Ortíz, cuyo estreno en la Seminci de Valladolid, España la semana pasada, respiró éxito de crítica y público.

 La Lengua en Pedazos sigue la línea del trabajo de Juanma de los últimos años como compositor, recupera melodías y ritmos tradicionales con instrumentos electrónicos y una producción contemporánea. Una fusión entre la vida mística y la vida terrenal que sobrepasa fronteras. Para conseguir esa conexión con la espiritualidad, colabora con la violagambista Amarilis Dueñas y el grupo de folk El Naan, quienes aportan la guinda del pastel a la obra a través de los instrumentos de percusión. Una explosión de arte y músicos que desprenden originalidad, folclore y magia.

Respecto a la banda sonora, Juanma firma una partitura en el que la música clásica se mezcla con la contemporánea, en una obra que recuerda al trabajo de artistas como por ejemplo Max Richter con su recomposición de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi. Sin duda, una mezcla elegante de estilos que aporta personalidad y asegura un viaje sensorial que satisface a todos los gustos musicales, desde lo más clásico hasta lo más moderno.

Sigue la estela de otros compositores que vienen del mundo del pop/rock/electrónica y han firmado bandas sonoras reconocidas como Oliver Arson (ganador de un goya por As Bestas) y Julio de la Rosa (La Isla Mínima). 

LA BANDA DE POST PUNK NEW WAVE KILL FIRMA CON ESMERARTE INDUSTRIAS CREATIVAS Y ESTRENA SU NUEVO SINGLE BETWEEN SHADOWS (Esmerarte 2023)

El cuarteto de Goth Post Punk establecido en Madrid, New Wave Kill, que la semana pasada anunció que se unía al roster de la Agencia Esmerarte Industrias Creativas / Casa PortAmérica, está estrenando hoy su single: Between Shadows. 

Between Shadows es la carta de presentación de este nuevo grupo lleno de sonidos oscuros en la que predomina la voz única del cantante, guitarrista y compositor, Felipe Vein. El nuevo single está producido por el sueco Ola Ersfjord (Lucifer, Tribulation) y destila un post punk gótico que bebe de influencias de bandas como Sisters Of Mercy, The Cult y Bauhaus. Este promete irrumpir en la escena gracias a sus puentes pegadizos y a un final explosivo.

Éste viene acompañado de un impactante vídeo oficial dirigido por Irene Montes, que puedes ver ya haciendo clic en el link mostrado a continuación.

Sobre New Wave Kill

Cuarteto establecido en Madrid capitaneado por Felipe Vein al que le acompaña la teclista Iulia Richea, el batería Juan Córdoba y el bajista, Nico Aguirre.

Con las influencias de grupos y artistas como The Smiths, Chelsea Wolfe o Joy Division, New Wave Kill se encuentran cocinando el que será su álbum de debut cuya salida está programada para primavera de 2024. Post Punk y Neo Folk se unen para ver nacer a una de las grandes promesas de este género y una de las voces más originales y frescas que se va a encontrar en el panorama actual de la música alternativa. 

La banda ya estrenó el año pasado dos singles que supusieron el pistoletazo de salida del grupo: Cold Night y Maze Of The Devil.

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Jenny And The Mexicats nos sorprende  su último sencillo, Quién Me Salva en colaboración con Pablo Lesuit quien también se ha hecho cargo de la producción de la canción.

La historia de cómo surgió esta explosiva colaboración empezó en Ciudad de México durante la estancia de todos estos artistas en La Casa Portamérica. A raíz de muchos días y noches de convivencia entre los cinco, una mañana David (percusionista de Jenny And The Mexicats) y Pablo comenzaron a dar forma a la canción. Poco a poco la fueron grabando cuando las giras les hacían coincidir.

Una vez ya en Madrid, terminaron el tema bajo la producción de Pablo, realizando por fin la grabación de «Quien Me Salva».

Quién Me Salva protagoniza un universo de beats, samplers y sintetizadores que Pablo incluye creando una personalidad única fruto de esta colaboración. Quién Me Salva es una rumba clásica pero distinta, enérgica y melancólica, pero sobre todo divertida. 

Pablo Lesuit ha dicho lo siguiente sobre esta colaboración:

“No recuerdo cuándo fue la primera vez que vi a Jenny And The Mexicats pero seguro fue hace muchos años. Antes de conocerlos personalmente, me encantaban pero a raíz de muchos días y noches de convivencia alrededor de Casa Portamérica hemos conectado a otro nivel. Creo que una de las cosas que más me gusta de la música es compartirla con amigos a los que admiro y en este caso ¡esta canción reúne todo!Ha sido un gran placer haber llevado también los mandos de la producción junto a David. Creo que el resultado es una explosiva rumba que espero que guste mucho tanto a los fans de JATM como  a mis fans.”

El bajista de Jenny And The Mexicats, Icho Van también ha añadido:

«¡Teníamos muchas ganas de hacer un tema con nuestro compadre Pablo Lesuit! Nos encanta el resultado, los sintetizadores le han dado un toque fresco y nuevo a nuestra música y creo que los fans del grupo van a apreciar esta novedad en el sonido. Tenemos muchas ganas de llevar esta canción al directo y de tocarla sobre los escenarios con el mismo Pablo»

Además el tema viene acompañado de un vídeoclip oficial grabado en las calles de la Colonia Condesa de Ciudad de México. Los cinco hicieron básicamente lo que la canción les pedía: cantarla, bailarla y caminar por sus preciosas calles mostrando la captura de un momento vital.

CARLOS SADNESS DECLARA SU AMOR POR MÉXICO EN «MORRITA LINDA», UNA COLABORACIÓN MUY ESPECIAL CON MELISSA ROBLES (MATISSE)

Lo de Carlos Sadness y México es una verdadera historia de amor. Un amor intenso y correspondido, que se inició hace siete años, con su primera visita al país, y que por primera vez plasma en una canción en Morrita linda, el tema que estrena este viernes, 27 de octubre, en colaboración con Melissa Robles, del grupo mexicano Matisse.

Melissa fue precisamente la primera cantante mexicana que conoció Sadness. Compañera del barcelonés en shows y amiga personal, ahora le escolta en un tema sobre un romance que no es sino una metáfora de su pasión por el país.

“Siempre quise escribir sobre cómo el país me enamoró, pero no sabía cómo. En un vuelo de regreso a Barcelona pensé en hablar de él como si fuera una morra”.

Melissa era obligatoriamente la artista que tenía que acompañarlo en Morrita linda. “Yo no sabía de ti, ahora quiero ser tu experto”, canta Sadness, que explica así cómo ese país se le reveló como un misterio que necesitaba conocer muy a fondo. Y para ello apela en la letra a Los Tigres del Norte. “Hice un viaje de Ciudad de México a Guadalajara en camioneta donde solo había un casete de Los Tigres”, relata el barcelonés, que quedaría prendado de la nostalgia mexicano a través de las canciones del mítico grupo de Sinaloa.

Desde Casa PortAmérica y Esmerarte presentamos «Notas con», la sección donde podrás conocer más a nuestros artistas, en esta ocasión, toca a Flecha Valona

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Flecha Valona, proyecto personal de Ezequiel Márquez, es una banda jerezana que fija su estilo entre el power pop y el indie rock español con referencias que van desde Joan Manuel Serrat, Perales, Pedro Guerra, C.R.A.G. hasta Los Estanques, Muse y Frank Sinatra entre muchos otros.

Hablamos con Ezequiel Márquez y esto fue lo que nos dijo

¿Qué tres palabras definen a Flecha Valona?

Melodías, honradez y buen hacer.

Cuéntanos más sobre su último single, La Sal de La Vida:

Una canción muy agradable al oído, según nos cuentan, siendo la más latina de FV. Existen contrastes que me gustan, entre otras cosas por las raíces, 

¿Cómo ves la música hoy en día?

Muy abierta, a todo el mundo le puede gustar todo. Es una droga sana sin efectos secundarios negativos.

¿Cuáles son algunos de tus artistas o canciones favoritas de Latinoamérica que te han inspirado? 

Siempre me gustaron temas populares del folklore mexicano y argentino, rancheras y tangos por ejemplo, además del son cubano, que es maravilloso.

¿Qué sonidos te atraen más de la música latinoamericana y qué elementos incorporas o te gustaría incorporar en tus composiciones?

En términos generales todos aquellos que enriquezcan y hagan crecer a mis canciones.

¿Hay algún país que te atraiga especialmente y que te gustaría explorar a nivel personal y musical? 

Los ecos de México, Argentina y Cuba llegaron a mí de una manera más directa y por ello les tengo predilección, pero estoy seguro que cualquier otro(Chile, Uruguay, Colombia) sería también de una grandeza enorme.

¿Hay algún artista, compositor o músico latinoamericano con el que te gustaría colaborar? 

Fui muy admirador de Gustavo Cerati, aunque con él ya no sería posible, pero hay alguno de la vieja guardia como Calamaro o Ariel Rot que molaría. Por supuesto, crecí con Juan Luis Guerra, y otro sería Juanes. 

¿Y de Casa PortAmérica México?

Son todos maravillosos pero quizás por cercanía en lo que hacemos Xoel o Vetusta serían buenos candidatos. Aún así cualquiera del roster sería estupendo porque la mezcla daría un muy buen resultado, estoy seguro.

¿Platillo mexicano favorito?

El guiso valiente es mi favorito, aunque me gusta todo, chalupas, chimichanga. Mencanta el pique, ¡le tengo un alto grado de tolerancia!

¿Tequila o mezcal?

Mi experiencia es más con el tequila, pero creo que no tengo suficiente criterio como para decidirme…¡habrá que practicar!

MARILIA MONZÓN PRESENTA SELVA (Esmerarte, 2023), SEGUNDO ADELANTO DE SU ÁLBUM DE DEBUT: PRENDERÉ UNA VELITA  (17 de noviembre de 2023, Esmerarte)

 Marilia Monzón estrena un nuevo single, Selva, una extraordinaria cumbia que muestra la faceta más latina del álbum de debut de la artista canaria, Prenderé Una Velita.

Selva muestra el lado más exótico del disco, ritmos propios de América Latina que prometen hacer bailar a todos sus oyentes y la ponen en el punto de mira a ser la revelación de este 2023.

Marilia nos descubre sus grandes influencias iberoamericanas y nos invita a su gran fiesta. Sus pegadizas melodías vienen acompañadas de unos ritmos dirigidos por el percusionista Adrián Seijas (Xoe López), la dulce voz de la propia Marilia y la perfecta rítmica a las 6 cuerdas de Pablo Seijas. Todo ello hace de Selva un cocktail de paisajes sonoros perfectos para no parar de mover las caderas.

El nuevo sencillo viene acompañado de un vídeo oficial dirigido por el realizador de publicidad David Tembleque.

Marilia sobre Selva:

“Selva me hace viajar en el tiempo y también me hace no olvidar una de las cosas más bonitas que nos da la música: la unión y la inspiración gracias a las personas que tenemos a nuestro alrededor. 

En tiempos donde el ruido y la prisa eran protagonistas en mi vida, surgió una conversación con Gonzalo Hermida y comenzamos a escribir los primeros versos de esta canción. 

Pasando por el toque cumbiero de mis adorados hermanos Seijas y finalizando en las paredes de Garate junto a Pablo Seijas y Juanma Latorre. 

Selva es alegría y un baile a los corazones y sobre todo, es el recuerdo de lo que he sido para no olvidar quién soy.”

La canción, compuesta e interpretada junto a Valeria Castro, ya se puede disfrutar aquí.

El amor de Andrea, producida por La Loma Blanca, LAZONA y Nephilim, es la segunda colaboración de Vetusta Morla con el director Manuel Martín Cuenca en la creación de una BSO tras La Hija, que les valió una nominación a Mejor Música Original en los Premios Feroz.

El amor de Andrea narra la historia de una joven que quiere recuperar el amor de su padre. Es tal la importancia de la mirada femenina en la película que la banda enseguida se dio cuenta de la necesidad de contar con una voz femenina para interpretar junto a ellos el tema principal y homónimo: alguien que llevase las riendas de la canción. Fue una de las cantantes más prometedoras del panorama musical hispano: Valeria Castro, quien se sumó, entendiendo desde el primer momento el universo de la película y el trabajo de composición de Vetusta Morla para la misma.  En esta ocasión, y a diferencia del anterior proceso de creación, lo nuevo del director Manuel Martín Cuenca ha llevado a la banda «hacia lo nuclear, a esa música que sale de los dedos y huele a calle». 

En palabras del director, Martín Cuenca, el tema principal, El amor de Andrea, supone «el corazón y la médula de la protagonista» y es que, para crear este tema, así como la banda sonora de la película, Vetusta Morla utilizó aquellos ingredientes que acompañan a Andrea en su lucha iniciática como son el sobrecogimiento de la música de Semana Santa o la alegría y acidez de las chirigotas, comparsas y murgas.

La banda viajó a Cádiz durante el rodaje de la cinta y además de lo que pudieron ver y escuchar, descubrieron que «en Cádiz sobrevolaba algo que iba más allá de sus paredes y tenía que ver con sus historias, las de ida y vuelta al otro lado del Océano, con el imaginario de lo que está más allá de sus callejuelas y su Caleta» y así lo reflejan tanto en la letra y música de este tema principal como en la BSO de la película.

En cuanto a los instrumentos utilizados, con todo lo absorbido durante la lectura de guión y todo lo que rodeó el rodaje, Vetusta Morla decidió que para la banda sonora utilizaría instrumentos no amplificables, dejando el terreno de las cuerdas para instrumentos acústicos de poco tamaño y escala corta y el de la percusión para golpes y sonidos extraídos de la propia película: las horquillas de Semana Santa, percusión en ventanas y escaleras, tamboras, bombos verticales o panderetas. Después complementamos esa tímbrica esencialista con los sonidos de los vientos madera, instrumentos que tienen la inaudita capacidad de aunar en su carácter la procesión sacra y el desfile carnavalesco, la taberna y el altar.

Xoel López publica su decimosexto álbum de estudio, Caldo Espírito (Esmerarte 2023)

Este nuevo trabajo es una obra compleja e intimista, un auténtico ejercicio de libertad creativa que demuestra su madurez compositiva. Un trabajo personal, crudo y visceral. La voz del artista se erige como el elemento principal para transmitir emociones profundas, mientras que las letras exploran reflexiones íntimas enlazadas con lecturas sobre la sociedad actual. Este álbum marca un nuevo enfoque en su carrera, sin prejuicios, sin miedo a volver a explorar territorios musicales previos, pero sin abandonar la curiosidad de transitar en nuevos campos sonoros.

Caldo Espírito no es un simple conjunto de canciones, es un viaje evocador y conmovedor que anima a explorar las experiencias que abarca la vida contemporánea. El título en sí es una poderosa metáfora que fusiona el italiano, donde «caldo» significa «caliente», y el gallego, donde «espírito» significa «espíritu». Más allá de las palabras, el nombre encapsula la esencia del álbum: una propuesta musical festiva para combatir la frivolidad del mundo en el que vivimos. Es un esfuerzo valiente de Xoel por recuperar la calidez humana y la espiritualidad a través de su arte y cada canción es una invitación a sumergirse en su corazón y alma, pero también a encontrar una conexión con nuestras propias experiencias personales a través de sus letras.

A lo largo de los años, Xoel ha huido de etiquetas y fronteras musicales, y este álbum es un ejemplo claro de su audacia y versatilidad, así como de todas las etapas que ha experimentado en su carrera musical. Caldo Espírito nos lleva desde canciones de cantautor  hasta paisajes sonoros de rock, demostrando que su música no puede ser etiquetada. Las estructuras de las canciones son reinventadas, los sonidos explorados y las temáticas reinterpretadas.

El proceso de grabación fue una obra colaborativa cocinada a fuego lento, con colaboradores como Domenico Lancellotti, Lucas Piedra Cueva, Leo Aldrey, Adrián Seijas y Carles Campi Campón, entre otros, que desempeñaron roles fundamentales en la creación de este álbum, tejido en diferentes localizaciones del globo terráqueo: desde casas rurales perdidas en los montes gallegos a otras situadas en territorio mexicano. 

Las voces de Meritxell Neddermann, Marina y Teresa de Repion agregan una capa adicional de emotividad y profundidad a las canciones, contribuyendo a crear un disco de voz que captura la intensidad y la emoción de Xoel. Este álbum marca un nuevo hito en su carrera y es un testimonio de su evolución y la libertad creativa, demostrando que es un artista que sigue rompiendo barreras, creando melodías atemporales con capacidad para convertirse en clásicos contemporáneos. 

Caldo Espírito canción a canción.

Albatros abre las puertas de este viaje musical sumergiéndose en el agobiante mundo de la presión y el estrés inducido por el sistema y las redes sociales, abordando el anhelo de liberación de este yugo, la necesidad de desprenderse, desconectar y buscar la libertad de las personas que no persiguen ningún objetivo específico. La canción explora la constante sensación de vigilancia, la saturación de comunicación, el individualismo, el egoísmo y la alienación social y culmina en un llamado a la desconexión o, en propias palabras de Xoel, a ‘’despegarse de la nave social’’. 

Continuando con esta travesía, Salitre y Humo arroja luz sobre la lucha contra la apariencia y los desafíos provocados por la pandemia. La canción fusiona elementos de aires aflamencados, rumba y flautas caribeñas con sintetizadores ácidos y enérgicos coros.

Unas enérgicas guitarras y  sonidos de soul caribeño abren la  decidida Esto no es amor, cuya letra profundiza con dolor en la complejidad de dejar atrás una relación que quizás nunca fue amor verdadero. En Glaciar persisten las sombras de la pandemia. Con suma delicadeza, Xoel nos transporta a un paisaje onírico donde la autenticidad de las relaciones se pone a prueba en tiempos de desolación. 

Faneca Brava es una metáfora hábilmente tejida sobre las relaciones tóxicas y las dependencias destructivas, haciendo referencia al pez venenoso que se oculta en la arena y que, al pisarlo, te inyecta veneno con sus espinas, para representar este oscuro enredo. ‘’Una metáfora de lo que fue la heroína en los 80 en Galicia (…) Aunque eso me pasó el verano pasado en una playa de Louro, en Galicia. Agarré un pez que flotaba en el mar y cuando lo fui a devolver me pinché. De ahí salen parte de los versos y la idea de la canción.’’ 

Caribe y New Wave se fusionan con sintetizadores de los años 80 y coros al estilo The Bangles en Ochomil. Un viaje nostálgico y rítmico que nos lleva a explorar la pérdida del idealismo y la persistencia en un mundo en constante cambio. Simboliza la determinación de subir 8000 km hasta la cima (metafóricamente hablando), para ganar una perspectiva más amplia y madurar en el proceso. 

A mitad del álbum, Mágica y Eterna nos sumerge en un viaje introspectivo sobre el deseo de ver lo que no es y nos invita a cuestionar la realidad y sumergirnos en el pensamiento mágico, con una mezcla de merengue y una armónica dylaniana que añade una capa de misterio y fascinación a la obra. 

Elevarte Caer (feat Repion)  habla de la idea que a veces tienen las personas sobre el éxito y todo el esfuerzo que se pone para poder alcanzarlo y que luego éste no se traduzca en el objetivo y eso cause frustración, rabia o dolor. Estos sentimientos se transforman en unos guitarrazos y baterías potentes que se convierten en la fuerza y crudeza de la propia canción.

La travesía musical alcanza su punto culminante con Pena, Penita, un diálogo profundo y emocional con la tristeza, utilizando la música como antídoto para alejar las penas. La canción nos insta a plantarle cara a nuestros monstruos internos y a no quedarnos atrapados en la melancolía. Nos invita a abrazar la idea de asumir la tristeza pero también a saberla dejar ir cuando llega el momento adecuado. Una comunión magistral entre las voces de Xoel y Meritxel en un diario sonoro que transmite la lucha contra los momentos más oscuros y la capacidad de superarlos.

Fort Da vuelve a las raíces de Deluxe sin dejar de lado la línea que venía guiando sus últimos álbumes, un encuentro entre sus inicios y sus influencias latinas. Una canción más guitarrera, con una nueva intención más vocal que arranca en falsete y que termina explotando en un final épico. La canción encuentra su inspiración en la necesidad de expresar sentimientos complejos y enredados, especialmente aquellos que se manifiestan en las relaciones que van y vienen. La canción se sumerge en este enredo emocional, utilizando la metáfora del juego «Fort Da» de la teoría de Freud como una forma de ilustrar la dinámica de tirar el objeto de deseo y luego recuperarlo. En esta teoría, Xoel encontró un reflejo perfecto de la complejidad de las relaciones humanas

Finalmente, como despedida del álbum, nos encontramos con Xiana, la única canción en gallego del álbum y posiblemente la más compleja y personal. Una exploración de la propia identidad y la dualidad de la existencia, donde podemos encontrar pequeños guiños y referencias al cantautor Peter Gabriel. Un diálogo crudo con el lado femenino de Xoel, con su propia persona que nunca fue, una ruptura con los ideales de la juventud y la ingenuidad intrínseca en ella.

Caldo Espírito tracklist:

Albatros

Salitre y Humo

Esto no es amor

Glaciar

Faneca Brava

Ochomil

Mágica y Eterna

Elevarte Caer

Pena, penita

Fort Da

Xiana